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艺术的故事读书笔记（通用13篇）
当细细地品读完一本名著后，相信大家的收获肯定不少，需要好好地就所收获的东西写一篇读书笔记了。到底应如何写读书笔记呢？以下是小编精心整理的艺术的故事读书笔记，希望对大家有所帮助。
艺术的故事读书笔记 篇1
《艺术的故事》是贡布里希爵士编的，书中概括地叙述了从最早的洞窟绘画到20世纪前半叶的实验艺术发展历程。里面的内容很多，绘画、雕塑、建筑均有所涉及。倘若是其它艺术史类的著作，六七百页厚的书籍细看下来多少是需要些勇气的。还好本书通俗易懂，简明晓畅的语言就能表达严肃的题目。与一般美术史不同，这本书既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”。贡布里希认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。在导论中，他就骇人听闻地说：“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”当然，当我们大致读过他所讲述的.历史，再看到他说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”时，就会真正明白他的意思。
一般公众已经安于一种观念，认为艺术家就应该创作艺术，跟鞋匠制作靴子没有多大差别。这种观念等于说，一个艺术家应该创作他曾看见过被标名为艺术的那种绘画或雕塑。人们能够理解这个含糊的要求，但是遗憾，那正是艺术家唯一做不到的事情。以前已经做过的东西不再出现任何问题，也就没有任何任务能够激发艺术家的干劲。但是批评家和“博学之士”有时也有类似的误解之过。
实际上根本没有艺术其物。只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以达到“合适”的效果；更难得的是，他们是具有正直性格的人，绝不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有表面上的成功，去经历诚实的工作中的辛劳和痛苦。
贡布里希的讲述完美而亲切，平易近人的作品，艺术理论被以通俗的方式叙述出来，作为例子的艺术品的选用真的很合适。读者和作者也可以取得较好的互动。他所要阐释的是人们不是为了响应某种潜在的“精神”的呼召去改变传统，而是情境的改变使其不得不然。例如说到具有强烈世俗倾向的荷兰绘画，他认为是由于经过了宗教改革，从而使新教统治区内的艺术家已经没有什么自由再画祭坛画了。无论哪种社会，贡布里希所关心的是艺术家所面临的“问题情境”。不是一个统摄一切的“时代精神”，而是许许多多切实需要解决的问题吸引着艺术家奉献他们的才智与精力。我们应当感激各个时代的艺术家，正是靠他们的辛勤劳作，解决了审美领域中那些潜在的问题而汇成了我们今天看到的艺术世界。
读完了这么厚厚的一本书，看了上万言的东西，露出的却只是冰山一角。越学习就发现自己的无知,我看到了自己的严重不足，整个人不像以前那么浮躁了，也学会了从不同的角度去看问题。《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术，它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。这本书非常值得深入一读。
艺术的故事读书笔记 篇2
《艺术的故事》，这本书主要讲的是西方艺术的历史，以及作者对于艺术的认识概括，具体内容不加评判，只想说一下个人感受。
1、感受
首先直观的阅读感受是历史感，整个人类历史浩浩汤汤几千年，多少伟大人物、思想、创造、艺术，最终又尘归尘土归土，只留下一粒尘埃。经历过无尽的痛苦，也创造出无尽的辉煌，人类认为无比重要的执念，又如此的微不足道。
用一句话来概括（引用）：存在的，都是必然的存在，并在将来永远存在。
2、艺术的个人理解（概念、现象、结构、功能、关系）
从书中艺术的历史发展，可以看出艺术实际是人类对事物的认知方式。也就是在不同历史时期我们是如何认识这个世界、自然、社会、人，或者看待他的方式。艺术其实是在社会普遍认知的基础上在不断探索新的认知方式。
对于艺术的历史可以概括为5个阶段：概念、现象、结构、功能、关系。首先是埃及艺术的概念阶段，人类认识世界的方式起于概念阶段，艺术表现的同样是存在于大脑中的概念，与现实中的客观存在关系不大。第二个阶段是希腊时期现象阶段，对于世界客观表象的详细观察，通过阴影，缩短透视等对世界无比真实、详细的表现。第三个阶段是英国、北欧的结构阶段，人们不再满足知道事物外表多么详尽的`变化，而是去探索事物相对稳定的内部结构。第四个阶段是美国为首的功能阶段，我们不再对事物的外表及内部结构感兴趣，只关注它的作用和价值。第五个阶段是我自己添加的关系的阶段，我们的认知从独立的个体扩展到整体关系，事物是由本身内部各种关系组成，同时受外部各种关系影响。
举个苹果的例子：概念阶段是对大脑中想象的苹果进行表现，例如圆圆的红色；现象阶段是如实的表现苹果样子，包括颜色的变化、精准的形状、阴影。结构阶段是苹果解构，苹果核、苹果皮、果肉等，所有的苹果具有同样的结构，不去认识各种各样不同的每个苹果。功能阶段是对于苹果味道营养的认知，我们不仅要知道它的形状和结构，我们更想知道他是甜的还是酸的，是脆的还是软的，营养元素是否健康。最后是关系阶段，我们发现苹果形状味道不仅和树木品种、树根、树叶、树干有关系，还和土壤、水、阳光、温度等等很多事物存在无比复杂的关系。这就是五个不同阶段对于事物的认知方式，艺术同样是在探索认知事物的方式并进行表现传达。
所以当前不管是什么艺术或者设计，只要是在探索关系，就是处在符合时代的最新趋势之上。
艺术的故事读书笔记 篇3
《艺术的故事》是一本将艺术和历史结合起来的书，介绍了相关的时代背景与艺术家自身的经历，让我们在认识各位名家及其作品的基础上，加深了解他们创作的前因后果。
今天是《艺术的故事》的最后一个故事：多元化的今天。
20世纪上半叶，人们生活中发生了令人难以想象的巨大变化：那些原来依靠二轮小马车从事日常事务的人们，现在可以乘坐汽车出行了；电话和其他技术的发展简化了通讯的过程；科学和医学的进步改善了人们的健康，甚至拯救了那些身患绝症之人的生命。社会发生了天翻地覆的变化。
20世纪初的文学艺术运动层出不穷，永久地改变了绘画的面貌。绘画似乎突然间在各种观念、领域中找到了自己，所涵盖的内容包罗万象，艺术家们开始关注于“活着的当下意义”，多种多样的艺术形式如雨后春笋般出现，经历了现实主义、抽象主义、极少主义等形式之后，艺术领域也衍生出了一种原始而粗犷的风情。
进入到21世纪以后，绘画并没有出现一个主导的风格，而是多种风格并存，不同的艺术家们用自己独特的风格影响着现代观众，他们探究事物的内在和本质，似乎在用一种忐忑不安的情绪在作画，他们用自己的独特的技术和风格，为我们描绘了一个最好的时代，也是最坏的时代。
在今天的内容里，我们所看到的艺术故事的年代跨越似乎有些大，但是他们都是现代艺术中不可缺少的重要一部分，经历了自由发展的艺术家们，要试图在一个全新的时代里创造出全新的艺术风格，这对于所有人来说都是一个极大的挑战。与此同时，科技的进步与政治的变化同样也影响到了艺术的创作。
在以梵高为代表的后印象主义出现之后，这种直面心灵的描绘影响到了其他的一些年轻人，他们饱含着炽烈的感情，想要把这种喷薄而出的情感表达出来。他们追求更为主观和强烈的艺术表现，画风不再特别讲究透视和明暗，而是采用更加平面化的构图、暗面与亮面的强烈对比，用纯粹的写实来表达自己的情感，他们就是野兽主义。
似乎就是从这个时候开始，现代主义的艺术家们都有一种强烈的表现自己的意愿。在1905年位于巴黎的一个秋季沙龙展览上，一批前卫艺术家们的画作在同一层展厅共同展览，一位记者站在色彩刺目、形式大胆的展览中，忽然发现了一件具有文艺复兴风格的小型铜像，不由得惊叫起来：“多纳泰罗被关在野兽笼中！”（多纳泰罗是意大利文艺复兴时期的杰出雕像家。）野兽主义的得名就是这样而来的。不久，这一俏皮话便在杂志上被刊登出来，而“野兽主义”这一略含贬义的称呼也得到了广泛的认同。
野兽主义画家们打破了以自然色彩为依据的着色传统，他们的原则就是通过颜色起到光的作用，以达到空间经营的效果。他们还从非洲和东方画中汲取灵感，利用粗犷的题材，强烈的色彩来颂扬气质上的激烈表情。野兽主义的代表人物马蒂斯（Matisse）始终坚信色彩有其自身的独特能量。他根据感情的需要，将高纯度的平面色块在画中组合，使其形成冲突对比或平衡和谐的关系，产生音乐般的节奏，他的画往往传达着某种欢快的情感，散发着生命的朝气，正如这幅《舞蹈》所表现出的活力一样。
巴勃罗·毕加索，当代西方最有创造性和影响最为深远的艺术家，他是现代艺术的创始人，也是西方现代派绘画的主要代表，大量风格多样的作品和90年的艺术生涯，使他在20世纪的艺术统治地位无出其右。
巴勃罗·毕加索，当代西方最有创造性和影响最为深远的艺术家，他是现代艺术的'创始人，也是西方现代派绘画的主要代表，大量风格多样的作品和90年的艺术生涯，使他在20世纪的艺术统治地位无出其右。
毕加索《读书》，毕加索是有史以来第一个在有生之年亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。
一战和二战给人带来的伤痛和反思急需寻找一个发泄的出口，在这种背景下，一批战后艺术应运而生。超现实主义在1920年兴起于巴黎，是由参加过第一次世界大战的法国青年发起的学派主义，他们目睹了战争的荒谬和破坏，对传统的理想、文化和道德产生了怀疑。他们以所谓的“超现实”“超理智”的梦境、幻觉作为艺术创作的源泉，认为只有这种超越现实的“无意识”，世界才能摆脱一切束缚，最真实地显示客观事实的真面目，这种偶发梦境和信马由缰的主张鼓励了艺术家创作出各种荒诞的、不合情理和不协调的作品。《记忆的永恒》就是最为出名的超现实主义作品，作者达利（Dali）引入了有关柔软和正在消融的手表的概念，在这个清晰而令人困扰的梦境般的幻象中，坚硬的物体熔化、变形，蚂蚁爬满了金属怀表，借此意象探讨了人与时间的关系。
同样地，毕加索也用一幅《格尔尼卡》表达他对毫无益处的战争的厌恶之情。在第二次世界大战之后，英国艺术家们选择将血肉之躯作为绘画的题材，展现出一种扭曲和孤立的形象，甚至发明了一种脏污的涂抹和泼洒颜料的独特画法，为他们的画作加入了风险和不确定的因素。
表现主义兴起于20世纪初的德国，最初是用来区别印象派的一个术语，后来逐渐流行于法国、奥地利、北欧和俄罗斯。
表现主义的作品多通过扭曲的人物来表达内心的恐惧，因此他们一般不会选择欢快的色彩和主题，但是后来随着艺术家们的不断发展，表现主义逐渐成为一切表现内心感情的艺术代名词，它代表着画家们突破事物表象而凸显其本质，突破对人的行为的描写而深入其内在的灵魂，突破对暂时性现象的描写而展示永恒的品质等。表现主义用颜色和狂乱的线条来表达自己，瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky）就是如此，他认为仅用颜色和形状就可以传达艺术家的感觉和情绪，由此，他转向了抽象主义的范畴。
抽象主义更是一种自由发展的画派，画家们想要探索并进行绘画形式的实验，他们认为作品和形式本身就可以成为题材，他们希望创作充满感情和表现力的作品，同时强调画作创作过程的自发性。这是首次在美国兴起的艺术运动，它标志着在此后一段时间里，西方现代艺术的中心终于从巴黎转移到纽约。
抽象主义的艺术家们会在巨大的画布上进行创作，他们甚至发明了新的滴落画法，即把画布铺在地面上，运用颜料滴落的方法，强调创作的随机性。这种做法看起来有些太随意了，甚至有人会批判这根本不算什么艺术，但是正是波洛克（Pollock）开创的这种画法成了抽象主义的主要表现方式。他们笔触自由，奔放大胆，桀骜不驯。以波洛克为代表的抽象主义画家认为，绘画有它自己的生命，而他们只是力求让这种生命出现，因此，在抽象主义的画作中总是充满着一种纯粹的和谐。
随着抽象主义的兴起，西方艺术中心的转移，美国人民终于开始发挥出他们向往自由的天性了。波普艺术，又称为流行艺术（Pop Art）开始出现在美国的大街小巷，这是在美国现代文明影响下而产生的一种国际性艺术运动，其灵感来源于流行文化，包括流行音乐、电影、漫画、通俗文化产品和广告等，他们把熟悉的日常物品拿来创作，直接打破了高雅和低俗文化的区别。
其实，所谓的“波普”也是英语中“棒棒糖”（Lollipop）的一个简化的口语词，也可以指酒瓶或可乐瓶开启的声音，不论是哪个，波普艺术都带着一种轻松娱乐的享受感，与之前的流行艺术不同，波普艺术真正实现了让所有人都能接触到艺术这一使命，我们经常能看到的一系列名人头像，例如《玛丽莲·梦露像》，就是出自这一时期的艺术家之手。
新现代主义首先诞生于现实问题最多的德国，艺术家们用粗砺、原始的笔触，依靠扭曲和疯狂的人物形态，借鉴报纸、神话中的各种资源，表达了自己内心的力量，他们并不是直指政治或战争的惨状，而是用一些抽象的表现形式，甚至是卡通般的画法，用一丝黑色幽默，微妙地涉及了国家与政治。
第二次世界大战结束之后，德国分裂为东德与西德，这种现实的分裂给人们带来了永远无法弥补的伤痛，人们对自己的身份认知产生了怀疑。随着科学上的巨大进步，人们开始怀疑过去已有认知的真理性，同时也开始意识到科学无法解决任何问题。生活的复杂性与艺术互相碰撞，这就是后现代主义的崛起。
后现代主义画家们结合了大量的科技手段，比如他们将一些照片用创作的形式重新呈现，或者是通过对一些摄影照片直接进行变形处理，表现出一种模糊又浑然一体的风格。
但是随着生活节奏的逐渐加快，现代人又产生了新的焦虑，包括社会压力、国际局势、恐怖主义、女权问题等等，这些都在现代艺术中有所反映，宽松的政治环境也使得艺术家们得以更加自由地表达自己的情感。时至今日，可以说只有你想象不到，没有艺术家们做不到的艺术风格，在多样性和多元化程度越来越高的今天，艺术家们最为关注的，还是他们那越发躁动和焦虑的内心。
图伊曼斯（Tuymans），当代最伟大的画家之一，创作了一大批内容题材极其丰富的画作，从羁于纳粹毒气室的紧张痛苦的图像，到日常花卉的平平无奇的再现，这些抽象化的图像带着几乎病态的色系，表达了作者心中的不安和冷漠感，似乎在诉说着现代人的内心。
现代艺术并不是一种终结的陈述，而是一种对绘画的证明。艺术家们一方面试图造就艺术的存在，一方面又质疑这种存在的本质。这就是这个时代能给艺术带来的最好，也是最坏的结局。艺术陷入了被质疑与自己质疑的循环，艺术家们也面临着更多的焦虑与不安。但是我们回顾这些天来所看到过的艺术历史就会发现，从始至终，艺术都只是人类社会的一种表达方式。
关于《艺术的故事》到此就结束了。
艺术的故事读书笔记 篇4
“希腊艺匠去跟埃及人求学，而我们又都是希腊人的弟子，于是，埃及的艺术对我们就无比重要。”如果我们把艺术的历史看成是作品的自己修炼过程，那么传统的西方艺术史学家将会毫不犹豫的告诉你：“艺术起源于尼罗河流域！”我们无法将法国南部的洞穴或是北美的印第安人与现在我们所谓的艺术直接联系起来，但是从埃及可以。
当我们用艺术的眼光审视埃及，在建筑上金字塔不能不提，在雕塑上浮雕和人头像不能不看，在绘画上壁画更是重点的重点。这三大类，在埃及，仍然保持着原始艺术的一些特质，强调是否“有效”。
金字塔是人的陵墓，埃及人将巨石块通过一些现在还不知道的方法垒成三角锥体，中间放置已经处理好的木乃伊，最早只有法老能享受如此待遇，久而久之，只要有能力建造的人都可以安息在金字塔。我们现在只能推测，修建金字塔是因为埃及人相信人死后会有灵魂，而灵魂存在与否，决定于肉体是否保存完好，所以要将人制成木乃伊，然后将木乃伊放在既安全又能够使灵魂更容易飞升的金字塔中。
人头像，似乎也是走这个套路，埃及人将石像放在陵墓里，可能是想要双重保险——制造一个死者的肖像石雕使死者的灵魂长存不灭，所以在埃及，雕刻家的原始意义就是“使人生存的人”。值得注意的是，埃及人的石雕风格已经脱离了原始艺术的那种符号化，但是离惟妙惟肖的自然主义还有一段路程，这个时候的人头像只是大致勾勒出轮廓。
壁画和浮雕更是为了人死后而创作的。可能是因为太奢侈，也可能是因为太残忍，埃及人采用了绘画来代替殉葬。这和中国差不多，兵马俑就是著名的代替人和牲畜的殉葬品，只不过不知道埃及有没有一个像孔子一样的人，发出“始作俑者，其无后乎”的为伦理进行到底的`言论。因为是绘画，所以能表现的东西就多了，不仅有人还有环境，当然目的一致——为了使死后的人能够在另一个世界逍遥自在。
埃及的绘画，特点十分突出，讲究完整、明了、还带着小个性。比如底比斯墓室里的《内巴蒙花园》，作者想要构筑一个有鱼有鸟有植物的池塘，池塘周围有着各种树木，还结着不少果子，该怎么画？如果画俯视图，池塘是看清了但是周围的树和池塘里的鱼、鸟就看不清了，就算是看清了也就一个点谁知道那是鱼；如果画侧视图或主视图，一边的树是看清了但是其他就没了。画这幅画是为了给死者一个生活的地方，如果因为视角的问题，让很多东西没画进去，那么死者不就享受不到了？对于这个问题，埃及人通过有埃及特色的办法解决了——池塘画俯视图，水里的鱼、鸟、植物画侧视图，周围的树画侧视图。看完，一股情切感油然而生，我在幼儿园的时候就是这么画的。这就是效用强过真实。人就更有意思了，画里的埃及人都有着挺好玩的“神圣姿态”，头一般是侧面的，眼睛、肩膀、胸膛一般是正面的，脚一般是内踝那一面的。画成这样，一方面是要完整，该多大就多大，该多长就多长，努力规避因为视角原因使人的某一部位“缩小”，从而影响以后冥界的生活；另一方面是偏好，实在有遮挡的地方就取一个喜欢的面，不管画里的人是否长着两只相同的脚。所以与其说埃及匠人在绘画不如说他是在通过自己掌握的外貌表来组接画面，尤其要注意埃及的画和我国人物画也有相似的地方，意义决定大小——越重要的人物，画得越大。
埃及的艺术风格很难表达清楚，它程式化但又不笨拙，它完整精确但又不十分自然，它具有很强的整体秩序感。每一个当时的艺术家，更多的时间是学习各种类似于男人颜色要比女人深的法则，而不是如何表达情感，学习的终极目标是用今日的题材重现当年的感觉，所以埃及的风格稳定、朴素而和谐。
只有一个人打破了这个严格的规则，成为了“异端”——第十八王朝的Amenophis Ⅳ。或许是因为这是外敌入侵后建立的新王国，他打破了许多古老的传统，统一了当时的宗教信仰，大破而大立，这股风潮自然而然的冲向了艺术家。这个时候更多的讲究如实描绘，以至于把法老雕刻得很难看，并且动作也有了改变，程式化的动作变成了夫妻俩抱着小孩，沐浴在Aten神的圣光下等。Akhnaten（Amenophis Ⅳ）的艺术改革，很有可能是受到了克里特岛以及其他地区的艺术的启发，比如，在迈锡尼发掘出的约公元前1600年的讲述了一个捕猎的故事的匕首，图案就比埃及的生动、自然的多，如果埃及的艺术家看到其他地区的同行的作品一定大受启发。可惜的是，埃及的改变只停留了一个朝代，Akhnaten去世后，他的继任者Tutankhamun逐渐恢复了过去的信条。
美索不达米亚地区同样有着艺术，与埃及一样，只不过可能是因为原材料的短缺，或是信仰不同，（不相信灵魂永生）流传下来的作品很少。远古时期Sumerians民族在乌尔建都统治着这个地区，从乌尔发掘出的公元前2600年木质镶金竖琴残件，可以告诉我们在远古的时候这里的艺术技艺已经很高了，可以创作出很生动的物象，并且他们偏爱对称和精确。美索不达米亚的国王虽然不去装饰墓室的墙壁，但是他们喜欢建纪念碑，并且这些碑刻可能还有着某种力量，比如发现于苏萨的约公元前2270年的纳拉姆辛王纪念碑，讲得就是赢得了一次战役的胜利，国王一只脚踏在对方军队的尸体堆上，让他们永世不得翻身。久而久之，这种纪念碑成了记录历史的载体，比如出自尼姆鲁德的阿苏尔纳齐拉普利王宫的约公元前883年——859年的浮雕，其中就记录了一场战斗的过程，我们可以看到攻城机械、双方射手、痛苦的人民，场面不像埃及人那么刻板，并且有一点挺好玩的是，伤亡者没有本国人，我们可以理解为这是鼓吹宣传的艺术，但是我更愿意认为原始巫术是其滥觞。
艺术的故事读书笔记 篇5
终于在注意力的极限到来之前把这本书读完了，序言、作为结尾的最后两章是全书的精华。《艺术的故事》好在它不仅是“艺术作品的整齐排列”，更重要的是一种全局视角的历史切入。贡布里希不仅是在完成一本词典一般的艺术史著作，更重要的是他在给初步接触艺术史的人一种看艺术品的视角，一种很难得的审美教育——怎么看待艺术，艺术是什么。感动于它恭谦又富有幽默感却也不失严肃的叙事，感觉像是在听老爷爷讲故事一般，非常喜欢这本书，艺术审美入门，艺术批评入门，艺术欣赏入门。
因为所学专业的关系，对艺术类的书籍及字眼莫名的亲切，仿佛带着安全感，文字和文字都是有联系的，艺术与艺术也是触类旁通的，管理自然也是一样，很多时候都是需要去倾听，欣赏，最后以艺术的手法处理，便是收获。
《艺术的故事》这本书在3、6、10、12、13章中涉及到过透视问题。我大概有这样一个脉络，透视的发现和发展经过了4个阶段。
一，短缩法的发现和运用
透视在没有被明确的提出之前被称为短缩法。最初发现短缩法是在比公元前500年稍早一些的一个希腊花瓶上。画的是辞行出征的战士，右脚仍然是继承了古埃及的“保险”画法，但是左脚已经是经过透视短缩了。我们看到5个脚趾好像一排五个小圆圈。也许这么小的一个发现不值得我们这么兴奋，但实际上这意味着古老的艺术已经死亡而被埋葬了。后来的希腊化时期和拜占庭时期的`画中也出现过短缩法。当时的艺术家是把远处的东西画的很小，近处的东西画的很大。可是远处的物体有规律的缩小这条法则在古典文化时期还没有被采用。
二、短缩法再次被重视
乔托所画的《“信德”的拟人形象》中，我们看到了手臂的短缩法，脸部和颈部的明暗造型，流动的衣褶中深深的阴影。像这样的东西已经有1000多年之久完全不画了。乔托重新发现了在平面上造成深度错觉的艺术。
三、透视法的提出和应用
到了15世纪初期，布鲁内莱斯基发现了“透视法”。我们已经看到，尽管希腊人通晓短缩法、希腊化时期的画家精于造成景深的错觉感，但是连他们也不知道物体在离开我们远去时体积看起来缩小是遵循什么数学法则。马萨乔迅速掌握了这种透视手段并体现在画中。在他的《三位一体以及圣母、圣约翰和供养人》这幅壁画中，墙面好像被凿了一个洞。通过洞口人们可以窥视到里面的一座布鲁内莱斯基风格的新型葬仪礼拜堂。到了15世纪后期，安杰利科修士的一幅《圣母领报》中，我们立刻可以看出透视技艺对他来说毫无困难。乌切洛更是全神贯注于透视研究之中。通过他所热爱的透视技艺试图构成一个真实的舞台，使他的人物在那个舞台上有立体感、有真实感。虽然乌切洛还没有学会怎样使用光线、明暗和大气来修润严格透视画法的刺目的轮廓。但他也体验到了透视法给他带来的新奇效果。
四、透视法的继承和发展
曼泰尼亚沿着马萨乔的路子走了下去。他的人物像马萨乔的人物那样动人，那样有雕塑感。曼泰尼亚意在使用透视法创造一个舞台，使他的人物好像立体实物一样站在上面活动。他好像一个高明的舞台监督那样，布列人物来表达这一瞬间的意义和事件的过程。
当然，对透视的探索仍在继续，只是艺术家遇到的问题更多的体现在其它方面了。《艺术的故事》这本书中涉及较少。希望以后能看更多的书籍，进一步总结透视发展的脉络。
艺术的故事读书笔记 篇6
这本书讲了一个传统不断变化、不断延续，一个艺术创新的问题，就这点而言最适合学艺术的学生来读的。该书被誉为艺术史中的圣经。据说它被译成30种文字。就是这本书把成千上万的人引入了艺术的殿堂。作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。生于奥地利的维也纳，后移居英国并入英国籍。任美术界最高荣誉——剑桥和牛津大学斯莱德美术讲座教授，以及哈佛等多所大学的客座教授，屡获欧美国际学术机构的特殊荣誉。他还有学术著作有《艺术与错觉》、《秩序感》、《艺术发展史》、《象征的图像》等。50年前《艺术的故事》刚问世时的一段书评说：“这部肯定被广泛阅读的著作将会影响一代人的思想。贡布里希的学问，尽管在这一领域工作的任何学者都不难察觉，但他却表达得不露声色，而且几乎在每个论题上都讲出了新意。他以寥寥数语就阐发了一个时代的整体气氛。”这段文字出自当时的艺术史权威博厄斯之手，半个世纪后被证明绝非溢美之词。《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术著作，作者开宗明义：本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。因此作者的任务是用浅近的语言，让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。简而言之，这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。
《艺术的故事》讲述的是各种传统不断迂回、不断改变的故事，每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，因为在这个故事中，哪一方面也不如这样的景观奇妙：即一条有生命的传统锁链还继续把当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。换句话说，“艺术为何会有一部历史”？作者以其特有的方式给出了回答。因此，如果说《艺术的'故事》有一种艺术史的模式的话，那就是艺术问题史的模式。它不仅不同于艺术进步史模式，而且尤其反对那种已成了陈词烂调的艺术是时代精神表现的模式。正是在讨论艺术问题的提出与解决时，作者建立了一个社会情境的模式，这个模式的主要内容就是艺术家所面临的问题情境。难能可贵的是，作者用简洁的语言把手中的问题表达得如此清楚透彻，真是一个了不起的贡献。
本书不因用语浅近而降低理论的深度，正所谓“意深而文明”，使其写作本身就成了一种艺术。《艺术的故事》的心理学出发点正是这种观念，作者谈到了原始人和古埃及人画他们的所知，而印象主义者却想画他们的所见。通读全书，我们看艺术家如何从原始人和古埃及人的概念方法一步步走到印象主义的方法。尤其值得注意的是，作者在结尾写道：在印象主义的方案中也许有某种矛盾导致了再现艺术在20世纪的崩溃。因为实际上没有哪位艺术家可以抛弃所有的法规和程式，单纯地画他的所见。换言之，作者提出了所见与所知理论本身存在的一个巨大问题。从而把这个理论问题留给了他的更高深的著作《艺术与错觉》去解决。至此，我们可以进一步地说，《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术，而且它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。所以，这本书值得我们去读。
艺术的故事读书笔记 篇7
老师给我们推荐了很多艺术类的书，其中有一本叫《艺术的故事》，这本书很强大，被誉为艺术中的圣经。据说它被译成30种文字。把成千上万的人引入了艺术的殿堂。作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。
读这本书的时候，我怀着毕恭毕敬的心情，本来计划用一个月的时间把这本无比厚的书给读完。因为我是一个没有耐性的人，以前看书只要超过400页我都没有看完，我一直以来都没有读书的习惯，看着那些密密麻麻的字，总是耐不下心来，把一本书给读完，更别说从中找到乐趣了。但是，这本书好像有巨大的魔力，每天早上都催促着我起床，把我呼唤到图书馆，那丰富的图片和那有趣的故事强烈的吸引着我，读那么厚的一本书突然变成了我的一种享受，每次读《艺术的故事》这本书就让我感觉眼前打开了一个崭新的世界，总会有一种喜悦的心情。其实能够让我这样着迷的是那些细节的阐述。《蒙娜丽莎》和《最后的`晚餐》是大家最熟悉不过的了，一开始的时候，觉得不就是画了12个人而已嘛，但是读了《艺术的故事》关于《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》的描写，虽然篇幅不是很长，但会觉得妙不可言。引人注目的是蒙娜丽莎看起来栩栩如生，她真像是正在看着我们，而且她有着自己的想法。就在这里，作者水到渠成的开始介绍“渐隐法”并且很贴心的在旁边附上衣服蒙娜丽莎面部的大图，可以让我们更清楚的明白这个画法到底有什么独特之处。更让我佩服的是，凡是有可以做比较的参照物，作者都不会忘记表明这个参照物到底是在书本上的第几页，具体是什么地方可以对比或者反衬，我想这就是所谓的举一反三吧。这不仅是一个学习的方法，更是一种学习的态度。
在前言我被震撼了，看到了很多实话。作者骇人听闻地说：“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”他还说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，作者谈到了原始人和古埃及人是画他们的所知道的东西，而印象主义者却是想画他们所见的东西。作者既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”，他认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。
读完这么一本厚厚的书，觉得《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术，而且它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。所以，这本书值得我们去读。
艺术的故事读书笔记 篇8
“我们对艺术的起源跟对语言的产生一样不甚了了。”当然，这里的艺术主要指视觉艺术以及雕塑、建筑。
艺术是什么？如果只是画画画、塑塑像、编编图案、盖盖房子，那么艺术的起源可以追溯到太古；如果仅把艺术当作用于欣赏需要保护的奢侈品，那么艺术的历史应该并不长。
姑且放下这个令人头疼的问题，换个角度，简单的解构已有的被承认的艺术品，从艺术品的基本属性入手。每件艺术品或多或少都有实用性和美，这两种属性我现在认为应该是负相关性的，从原始艺术品到现代艺术品的特征可以佐证。原始艺术的第一标准必然是实用，因为当时的生产力极为低下。以建筑为例，修筑房屋首要的是构筑一个遮风挡雨的休憩之所，然后才会考虑看起来顺不顺眼，即所谓的合不合适。你建的大家一看就喜欢再好不过，但是如果你审美有限，有个窝也凑活。所以就原始艺术而言，实用性是第一属性。
原始艺术的实用属性满足两个方面——自然的和超自然的。比如建房躲避自然，雕像祈求神灵。满足超自然的方面，影响深远，至今保留在我们的日常生活中，有趣的是我们还不怎么能知觉。举个例子，如果有人拿着你心爱人的照片，当你面，用剪刀戳照片里的人的眼睛，你会有什么感觉？我会暴怒，我会有一种我心爱人也受伤的感觉，即使我知道那只是照片而已。艺术品能够实现超自然目的的原因，我认为是我们错误的将世界的联系无规律化，似乎只要能建立联系就能影响另一方，无论这种联系有多牵强，长得像能联系，名字一致能联系，拿点原主的东西也能联系，只有想不到没有联系不到。本着这样的精神，原始人创作了艺术史上极为重要的几幅洞穴壁画——西班牙Altamira洞窟里的野牛和法国Lascaux洞穴里的马，他们相信将马和野牛画出来，然后鞭打折磨壁画，外面的马和野牛也会受到影响，以期收获满满。
所以，原始艺术家的首要任务，不是作品美不美观，而是作品有不有效。能不能让部落里所有人都认同你与某种东西建立了联系，并且这种联系是经典的，是某种约定俗成下的，是成败与否的关键。情形类似于春节时的春联，春联联系的是美好的愿景，大家约定必须用红纸来写，用其他颜色的纸写就不是春联，就不能建立联系。那么原始艺术家还有创作空间么？有！继续以春联为例，在红纸的基础上，各家可以选择汉字的颜色，一般是金的或黑的，可以选择汉字的字体，楷、隶、行、草……还可以选择背景花纹，在不影响主体字的情况下，选择红纸的花纹，选择空白地方的填充图案等等。每家的春联都能代表各自的.审美，而这种审美，就是原始艺术家的创作空间。
提起原始艺术，特别是当看到“原始”两字时，总让人联想到长相寒碜，制作简单，恨不得就像《洛书》、《河图》一样几根线就能搞定的东西。这应该能代表原始时期的风格，但绝不能代表原始时期的技艺，原始时期的艺术家用简易的工具足以制作一件自然主义的作品，比如尼日利亚伊费的青铜黑人头像，栩栩如生（这才是栩栩如生和教科书里说某些器皿栩栩如生完全不同）；比如美国西北岸印第安海达部落酋长的房子，刻画的精细程度和《三国立志传三》有一拼。但是为什么我们看到的整体风格显得如此生疏？我们从观念的角度来解释，原始艺术家认为没必要，或者说描绘得太清晰了不利于脑补，构建不了联系；亦或可以从符号的方面入手，墨西哥阿兹特克时代的Tlaloc，就是以响尾蛇作符号拼凑成的，据阿城老师考证，中国的饕餮纹，可能是青龙和天极神两大符号重合的产物，符号化的东西无法自然起来，所以长成那样情有可原。
艺术的故事读书笔记 篇9
《艺术家的故事》这本书适合我们这样的青少年或是儿童阅读的书，这本事是由48个故事组成的，一共为7个章节，分别是“喜剧巨星”卓别林，雕塑大师罗丹，“印象派化的始祖”莫奈，全能天才达芬奇，咏唱生命之歌的柴可夫斯基，与命运抗争的强者贝多芬，还有音乐使者莫扎特。这几个题目鲜明的告诉我们它写的是关于一些名人的故事。
这个故事的前言还告诉了我们这些故事是在21世纪发生的'，21世纪是一个充满竞争的世纪，少年儿童是未来的主人，在他们儿时所形成的兴趣、爱好、志向将印证在他们未来的一生。
现在我们大家也都发现了，大多数的家长都在采用填鸭似的教育方法，给孩子们造成了极大的痛苦，正如一头不想喝水的牛，人们总想用蛮力把它的头按到水中喝水……。这倒不如用讲故事的方法教育孩子，有人认为阅读名人做事是成年人的事，其实对一个很多方面已经定型的成年人来说，这只能算是锦上添花而少年儿童具有天然的可塑性，他们每阅读一个名人故事，就会在他们的内心深处进行一次雕塑，就像在他们不断升级的硬件中增添了一个又一个优秀的软件……。
这本书很适合青少年或儿童阅读，因为这里的48个故事能影响孩子的一生。你还在等什么，快来看吧！
艺术的故事读书笔记 篇10
亚里士多德说：“我们无法通过智力去影响别人，情感却能做到这一点。”小时候，我们都爱听故事。曾有这么一个故事，即使我们听到感觉无聊之极，“从前有座山，山上有座庙，庙里有个老和尚，老和尚在讲故事，从前有座山……”其实，有科学数据统计，爱听故事是人类的天性，基于感官的求知，植根于脑海，深埋于心智，即使随着年龄的增长，我们也不会改变爱听故事的习性。
在现实生活中，我们会发现即使很努力去做一件事，可还是不成功，要不就是离目标值相差太多，于是我们在论及成功与否的原因时，很多人会归结于命运、风势、人和、技艺等，事实上我们常常忽略了一点就是我们之所以失败是我们还不会讲故事而已。
“讲故事将会成为21世纪最应具备的基本技能之一。”著名作家丹尼皮克在《认同感用故事包装事实的艺术》一书中指出道。确实如此，会讲故事，代表个人口才能力强以及组织语言的逻辑思维好。会讲故事，代表着我们能地向这个世界较准确地表达我们的想法和创意。会讲故事，往往是个人成长过程中的重要品质之一。未来社会精英人才的必备技能之一就是口才了。“故事最重要的目的不是告诉，而是引导我们去思考，所以才是影响与说服的最佳工具。”包括我们在营销产品的时候，说服客户和投资商，引导他们走进产品的创意过程以及营销策略。
品牌的打造也和讲故事有关。原因在于品牌的塑造是要挖掘出一个有生命的原型，并通过故事进行包装，从而达到自身影响力和客户的认同感。大多票房极高的电影，美国电影行业塑造的超级英雄系列为什么会受到那么多人的喜爱呢？就是因为他们会讲故事，塑造有生命力、有内容情节的'电影品牌。
书中还有一个观点，“最好的故事从不教人新东西。相反，最好的故事认同读者的想法，使每个读者感觉到他们的想法是聪明的，可信的，还会提醒读者他们是最正确的。”会讲故事的人受到欢迎，在于讲的故事引起读者共鸣，在心理学上叫做共情现象，勾起读者相似的记忆和情愫。
艺术的故事读书笔记 篇11
在这个暑假里，我读了许多书籍，其中让我印象最深刻的是《写给孩子的艺术故事》这本书。
这本书讲了绘画、雕塑和建筑三方面的内容。作者用讲故事的方式、孩子喜欢的语言来介绍一个个艺术大师的故事，从中也讲到了每个国家的画法和每种类型的画家的特点。
令我印象最深刻的情节是介绍后印象派的部分，因为后印象派的画的风格很特别，线条都是扭曲的.，而且我也很喜欢这一类的画作。这种画法的创始人是保罗。塞尚，他是一位著名的法国画家，他创立了后印象派，这个派系作品的特点其实就是比印象派的画更立体一些
我最喜欢的画家刚好就是一位后印象派的画家，他的名字叫做文森特。凡。高。他刚开始是在艺术品商店工作，后来他就做不下去了。他又做了老师、牧师和煤矿传教。从这以后，他开始给矿工画画。后来，他弟弟给他寄钱，还送他去巴黎学绘画。后来，他变得疯疯癫癫。他的朋友跟他开玩笑说：“我想要一件礼物，如果你没有任何礼物的话，就把你的一只耳朵送给我。”圣诞节前，他果然把自己的一只耳朵送给了他的朋友，当时把这个人吓坏了。
我最喜欢他的两幅作品，一幅是《星空》，一幅是《向日葵》。我学到的优秀品质是：不要在途中停下来，一定要坚持干完一件事，这才叫真正的胜利。
艺术的故事读书笔记 篇12
埃及，一个被笼上灰色面纱的神秘国度，金字塔，木乃伊，狮身人面像…还有被人们口口相传的危险诅咒，这一切的诡秘，不由得激起我们对于埃及的强烈好奇和探寻。一个有着悠久历史的国家，必然有其艺术历史的弥留，并伴有着古老的烙印在这个民族血液中的特殊含义，当我们亲手揭开那层面纱，看到藏在她背后的奇妙艺术世界。
艺术与信仰
埃及美术的产生与发展与他们的宗教信仰有着莫大的联系，他们崇拜太阳神，水神等其他诸神，在宗教的发展中，为了维系宗教的核心思想和内涵，必然需要用一些客观的方式是展现以及延续他们的信仰，由此便诞生了一系列埃及艺术品，而在当时，在他们的眼中，这些并不是为了审美的需要或者有着艺术的价值，并不能被称为是艺术品，而是他们的信念必需品，是民族宗教信仰的必需品。
在埃及，被学者们发现的大大小小的金字塔拔地而起，以及其中精美的葬品和壁画中，我们不难看出，这曾是一个辉煌的国度，世世代代掌握无上王权的国王，以及成千上万的劳动者和奴隶所共同铸就的一个国度。其中国王被认为是掌握权力的神人，相信法老是神的化身，是太阳神之子，在埃及人的眼中，要使灵魂到达了冥界，并继续生存，就得要使其肉体金刚不坏才得以保全，因此，便出现将国王的尸体制作成木乃伊这一行为，以达成他们内心所向往的永生。相应地，随之而来的是作为墓主人的永生住宅，其内壁装饰和结构修建，也便自然而然地成为了的重中之重。也正是这些原因导致了金字塔、雕刻、墓室壁画等一些列艺术的产生。
建筑的威严
埃及美术建筑追求体量巨大，雄伟壮观，由此给人一种至高无上的威严感，这一点在金字塔上显而易见。金字塔是古代七大奇迹之一，其中最为有名的胡夫金字塔，建于埃及第四王朝的第二个国王胡夫统治时期，该建筑原高145.5米，底面成正方形，每边长230多米。塔身有230万块巨石组成，而每块巨石大小不一，分别重达1.5吨至160吨。而如此宏伟的地理标识，不是大自然的天造地设而是埃及古人们的鬼斧神工。据考证，为建成大金字塔，一共动用了10万人花费了20年时间。由此可见，宗教信仰提供给一个民族的精神力量是多么的强大，直至现在人们仍对着几千年前的奇迹叹为观止。由于人们对于太阳神的崇拜，也赋予了金字塔是作为法老起上天的天梯，就是这样一座天梯又以角锥体呈现，意味着是刺破青天的太阳光芒。如是，在《金字塔铭文》中有这样一句话：“天空把自己的光芒伸向你，以便你可以去到天上，犹如拉的眼睛一样。”
雕刻的艺术
作为同样是为了保证法老永生的方式，除去木乃伊以外，他们还会叫来雕刻家，用坚硬的花岗岩雕刻出国王的头像，放置在无人可见的墓中，而法老也借助雕像得以长存。在保留带来的历代国王雕像中，我们可以看出，雕刻家们并没有选择以精雕细琢的方式去一一展现法老们的五官细节，他们在意的只有最基础的东西，而其次的细节皆被忽略。以我们今天的眼光看来，这些头像并不乏美感，虽然有着几何图形的刻板影子，但又不仅仅是停留在原始几何的生硬，依旧形象动人。当时的埃及雕刻家将对于自然的观察跟总体的匀称相协调，兼顾平衡，使得天平的两端得以均衡，而使得在肖像中向我们展现出了其古老悠久而又真实生动。
对于自然几何的深刻把控，使得我们能够欣赏到当时生动有趣的埃及壁画和浮雕，在当时，人们并不理解透视，以至于在他们的笔下呈现出的`壁画让我们第一眼难以理解，但在那时，绘画对于他们来说并不具有审美价值，而是为了另一种目的的服务，艺术家们以尽可能的把他们所看到的一切事物都保留下来目的，好不好看不是关键，完不完整才是他们秉持着的原则。这些壁画，看似不符合视觉逻辑，如同儿童绘制一般，但实际上，他们在绘制过程中有着他们所坚持着的严格规则。无论是描述哪一样事物，他们都是从其最具特性的角度去记录。而正面律便是最能概括这一艺术特色的规律，以这种方式来表现人体，能够最大程度上地将人体的所有重要的东西都展现出来，而遵循这规律原因也是为了奉献给死者一个完整的躯体。
除此之外，在埃及壁画表现中，术家想表达的也不仅仅是其对于事件的描述和人物的外形，在绘制过程中，在绘制过程中，也要传达出这幅画中人物的意义，会通过刻意地放大重要人物或是将重要人物展现在画面视觉的中心位来体现人物地位的尊贵。
永恒的艺术
埃及艺术最伟大的特色之处，就在于在他的建筑，雕像，壁画等一切艺术品中能够延续着统一法则，在每一个领域各安其位，各得其所。一以贯之，从而形成属于其自己民族的民族风格，形成永恒的艺术，永恒的风格。
艺术的故事读书笔记 篇13
这本书讲述了100个各种各样的艺术家的故事。全书共100页，每一页都有一位艺术家的生平、人物名言。以及一个蕴含着深刻哲理的小故事，最后还有一个启示。它们大多数都是包含着一个简单易懂的道理。其中，我最喜欢的故事有：为丢勒祷告的手、施特劳斯的衬衫、海顿挑战风暴等等故事。这些故事都激励我们要勤奋学习、刻苦努力，为自己的理想而奋斗。想要成功，就必须脚踏实地，一步一个脚印的努力而执着的前行。
令我感触最深的就属机智敏锐的拉斐尔这个故事了。
意大利杰出的年轻画家拉斐尔，不但绘画才能超群，而且还是一位洞察力极强的人。文艺复兴时期，罗马富豪们大势显摆自己的富裕。经常召开宴席。由于拉斐尔有着卓越的成就，自然也不例外是受邀请参加宴席的嘉宾。可是他讨厌这种风气，所以总想找机会打击一下这些富豪们。
一次，拉斐尔和他的朋友们以及教皇等名流，被富豪阿戈斯蒂诺宴请吃饭。宴席十分气派，餐具全是昂贵的银具。阿戈斯蒂诺为了显示自己的荣华富贵。每当吃完珍宴，就会把银盘都丢到河里。大家大吃一惊，可拉斐尔却不以为然，悄声对朋友说：我料定他早就在河里撒下了大网，银盘一定都落在了网里，等我们走后他再将网捞起来。
为了证实自己的猜想，拉斐尔便在距离自己最近的银盘里作了记号。下次再来的'时候，只要还能发现这只银盘......想到这，他们大笑起来。果然不出所料，当他们再次来做客时，便发现了那只银盘。他们当众揭穿了阿戈斯蒂诺的把戏，给了他一个深刻的教训。
名人看起来遥不可及，其实也是普通的人。只要我们学名人的精神和智慧，就一定会成为未来的名人。
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